Porträtbild von Dr. phil. Kiron Patka

Kiron Patka

Sound|Radio|Medien|Wissenschaft

kiron@patka.de

+49 (0)176 200 155 96

Dr. phil. Kiron Patka ist Medien­wissenschaftler und Ton­techniker. Er forscht und unter­richtet zu aktuellen und historischen Facetten von Radio, u.a. Radio-­Sounddesign, Audio­journalismus sowie Radio­produktions­kultur.

Radio als Sound stellt eine Konstante seines Berufs­lebens dar. Noch an Band­maschine und analogem Misch­pult zum Ton­techniker ausge­bildet, erlebte er den Umstieg auf digitale Produktions­systeme mit und war an der Ent­wicklung neuer Work­flows, aber auch neuer Ästhetiken im Radio beteiligt. Bis 2018 gehörte die Produktion des Sound­design von SWR1 zu seinen Tätig­keiten.

Er studierte in Tübingen Medien­wissenschaft und Lingu­istik sowie Literatur- und Kultur­theorie und wurde 2017 mit einer Arbeit über Radio­ästhetik promoviert. Radio­ästhetik unter­sucht er vor allem mit Blick auf die Produktions­dimension und das Wie: Wie gestalten Radio­praktiker_innen ihre Bot­schaften? Wie gene­rieren sie Bedeu­tungen? Wie ent­steht dabei eine radio­spezifische Medien­ästhetik? Die Auseinandersetzung mit Radio-­Sounddesign als Ästhetik und Kultur­technik bildet dement­sprechend einen Schwer­punkt seiner Forschung.

In seinem aktuellen Forschungs­vorhaben Radioproduktionskultur im Wandel (AT) unter­sucht er die Arbeits­kulturen der Radio­produktion seit dem Neu­anfang des Rund­funks nach 1945. Entlang techno­logischer, gesell­schaft­licher, politischer und öko­nomischer Entwick­lungen ver­ändern, ver­schieben und verweben sich die unterschied­lichen Berufs­rollen, die am Ent­stehen von Radio­programmen beteiligt sind. Hier verbinden sich Frage­stellungen aus den Bereichen Arbeits­soziologie, Gender­forschung, Geschichts­wissenschaft und STS mit Forschungen zur Auditiven Kultur.

Biografie

Akademischer Werdegang

seit 3/2018

Wissenschaftlicher Mitarbeiter (in Teilzeit) bei Prof. Dr. Tanja Thomas

Universität Tübingen, Institut für Medienwissenschaft

2–12/2018

Projektbeauftragter für INsPIrE Tübingen

im Auftrag des Zentrums für Medienkompetenz an der Uni Tübingen

Koordination und Umsetzung medienpädagogischer Teilprojekte im Rahmen des EU-geförderten Projekts Innovative educational and media practices for an inclusive and participatory Europe (INsPIrE)

4/2017–2/2018

Lehrbeauftragter für Medienwissenschaft und -praxis

Universität Tübingen, Institut für Medienwissenschaft

Bereich: Radiojournalismus und Auditive Kultur

2014–2017

Wissenschaftlicher Mitarbeiter (in Teilzeit) bei Prof. em. Dr. Jürg Häusermann

Universität Tübingen, Institut für Medienwissenschaft

Studium

2017

Promotion im Fach Medienwissenschaft (summa cum laude)

Universität Tübingen, Philosophische Fakultät

Dissertation Radio-Topologie. Zur Raumästhetik des Hörfunks (transcript 2018)

2011–2014

MA-Studium Literatur- und Kulturtheorie (Universität Tübingen)

Schwerpunkt Medienästhetik/Mediengeschichte

MA-Arbeit: „Stimme im Raum. Zu den Ursprüngen des Radio-Sounddesign“

Wissenschaftspraktisches Projekt: „Stimme und Bedeutung. Hörbuchprojekt ‚Angela und Andrei‘“ – Planung, Konzeption und Realisation einer Hörspieladaption; gesendet in SWR2 Tandem.

2008–2011

BA-Studium Medienwissenschaft und Linguistik (Universität Tübingen)

BA-Arbeit: „Radio-Snippets. Podcasting als redaktioneller Prozess“

Medienpraxis

2000–2018

Tontechniker

SWR Stuttgart

1999–2000

Tontechniker für TV-Außenübertragung

Mefisto GmbH Reutlingen

1997–1999

Ausbildung zum Audio Engineer

SAE School of Audio Engineering, Köln

Musikproduktion, Klanggestaltung

Publikationen

Buchcover zu Kiron Patka, Radio-Topologie

Monografie

Radiotopologie. Zur Raumästhetik des Hörfunks. Bielefeld: transcript 2018.

Verlagsseite

Herausgabe

Braird, Nicola/Beuran, Rares/Durin, Ester/Leprêtre, Laura/Nistor, Christina/Panas, Savvas/Patka, Kiron/Pujol, Cristina/Schoffield, Barbara/Verlinden, Ann: Innovative Educational and Media Practices for an Inclusive and Participatory Europe. Handbook. Brüssel: Les Éditions de l’IHECS, 2018. open access 

Aufsätze

„Listen! On the Role of Sound in Media Education.“ In: Laura Leprêtre & Esther Durin (Hg.): Innovative Educational and Media Practices for an Inclusive and Participatory Europe. Academic Papers. Brüssel: Les Éditions de l’IHECS 2018, S. 74–100. (Gemeinsam mit Pia Fruth) open access 

Abstract

Radio is said to be a very accessible medium for listeners as well as for producers (Häusermann 1998) – due to the use of the voice as “primary code of radio” (Crisell 1985) instead of written language. Neither speaker nor listener need to have formal education; radio can be used by people who are not very experienced in reading and writing, even for people who cannot read or write at all. Therefore for a long time radio has proven the ideal medium for grassroots democracy, not only in societies with poor literacy rate, but also in community (or pirate) radios all over Europe.

In our talk we will draw on this idea, but we will also take one step further by focussing on sound instead of voice. Sound is one element within the phenomenon voice (Dolar 2007), and radio presenters put much effort on shaping the sound of their voices to achieve a special atmosphere or a ›stationality‹ (Bose/Föllmer 2015); it’s safe to say that with their voices, presenters even shape the sound of the whole station. And the sound of the voice also contributes to the particular journalistic message.

Radio practitioners and trainers often emphasise on the use of sounds like ambient sounds or original sound effects (Patka 2018). While the role of original sounds in radio journalism has been recognised from its very beginning, sounds have always been only the second- or even third-rate code of radio. Few experiments on “sonic journalism” (Cusack 2014) that almost only rely on field recordings have met with quite little response. Not so lang ago, audio was also named the “black sheep of online journalism” (Hoffmann 2012).

Against this background we will explore the idea that a sonic kind of journalism is a great opportunity to empower marginalised people to participate in media production. We will compare our reflections on sonic journalism as a means of democratisation to our experiences in several local project, where we have worked with children and teenagers in multinational and multilingual groups. On one hand the very prevailing concept of listening – listening to each other as well as listening to the sounds of our acoustic environment – has proven highly fruitful for subsequent radio production practice. On the other hand however, we have also experienced problems and challenges that have lead to important findings for future projects.

„Technische Wolle. Tonband, Berufsrollen und Geschlecht im deutschen Rundfunk.“ In: Rebecca Grotjahn u. a. (Hg.): Das Geschlecht musikalischer Dinge. Hildesheim: Olms 2019 (= Jahrbuch Musik und Gender 11), S. 107–119.

Abstract

Tonband war während der gesamten zweiten Hälfte des 20. Jahr­hunderts nicht aus den Rundfunk­anstalten wegzudenken. Auf Ton­band wurde Musik gespeichert, vom Ton­band wurde sie abgespielt, und mit To­nband wurde Musik produziert. Der Umgang mit dem Band, vor allem das Schneiden, erweist sich in Deutschland dabei als eine ausge­wiesene Frauen­tätigkeit: An den Misch­pulten saßen zwar Toningenieure, doch die Band­maschinen wurden von Tontechni­kerinnen bedient. Der Text spürt einem Diskurs nach, der die Arbeit mit Tonband und die Arbeit mit Wolle – Stricken – in einen Zusammen­hang bringt. Ist Ton­band nichts anderes als ‚technische Wolle‘?

„Männer, Mädchen, Mädels. Gegenderte Berufsrollen in der analogen Radioproduktion.“ In: Navigationen 2/2018, S. 119–133. open access 

Abstract

In Nürnberg wurden nach dem Zweiten Welt­krieg sowohl Ton­technike­rinnen als auch Ton­techniker für die west­deutschen Rundfunk­anstalten ausge­bildet. Die gleiche Berufs­bezeichnung ver­schleiert, dass die Aus­bildung für Frauen und Männer keines­wegs iden­tisch war. Männern wurde ein ausführ­licherer Lehr­gang ermög­licht, und sie sind in den Rundfunk­anstalten mit höher bewer­teten Auf­gaben betraut worden. Im Studio stand denn üblicher­weise eine Frau an der Band­maschine, und ein Mann saß am Misch­pult. An dieser Situation, die im vor­liegen­den Beitrag genauer unter die Lupe genommen wird, zeigt sich beispiel­haft ein zentra­ler und bis heute wieder­kehrender Mecha­nismus in der Radio­produktion: Alle an der Produk­tion Betei­ligten gehen mit Technik um, und wer genau welche Auf­gaben über­nimmt, wird auf unter­schied­lichen Ebenen aus­ge­handelt.

After the Second Worldwar, many young men and women were trained in audio engin­eering in order to work at the German Public Service Broad­casting. Although both men and women were called “Ton­techniker/in” (audio engineer), their trai­ning consisted of different curri­culums: Men were offered an extra semester of edu­cation as well as higher posi­tions in the radio stations. While working in the studio, usually women were to operate the tape machine, while men were to control the mixing console. The situa­tion that I will ex­plore in detail in this paper relates to a central and re­curring mecha­nism within radio pro­duction: All those who are involved in radio pro­duction employ tech­nical gear, and who is granted access to which gear in order to per­form cer­tain tasks is subject to nego­tiation on diffe­rent levels.

Sound im Hörfunk. Zur Praxis des Radio-Sounddesign. In: Spiel 2/2017, S. 31–53. open access 

Abstract

Radio analysis usually concentrates on radio content. Nevertheless, radio professionals invest a lot of effort in shaping the sound of radio programmes. In this paper, I explore two dimensions of sound work that is done by radio practitioners: Sound Design and Sound Processing. The former is performed by sound designers as well as producers, technicians and presenters/DJs. They all deal with the time structure by shaping music, spoken word and ‚jingles‘ into an audio flow. In particular, I suggest a model of analysis that examines foreground sounds and background sounds separately to identify a perceivable density of radio programmes. The second dimension of sound work applies to the sound texture and aims at creating a distinguishable sound compared to other stations on the same market.

Radio als Sound. Von der enträumlichten Stimme zum Radio-Sounddesign. In: Navigationen 2/2015, S. 113–125. open access 

Abstract

Since the early days of radio, broadcasting studios have been dead rooms, and the radio voice has been a voice without spatial acoustics. In the 1920s this unique acoustic position of radio announcers led to a quite intimate way of speaking, which differed considerably from other forms of public communication. This ‚non-spatial voice‘ has been a fundamental characteristic of radio aesthetics since those days. This article will show how over the years more different mediated voices with different spatial sound signatures emerged and by gathering around the radio voice developed an entire topological structure. With the appearance of the technology of artificial reverb, spatial acoustics is able to fulfil functions and explore new meanings way beyond the construction of natural sounding auditory events. Thus radio aesthetics and consequentially the linked practice of sound design in broadcasting is considered the design of the radio as a medial space.

Audio

Angela und Andrei. Hörspiel nach einer wahren Geschichte von Erwin Koch. Regie & Produktion: Kiron Patka. Gesendet am 16.11.2013 in SWR2 Tandem.

Details

Angela: Lena Tolkmitt | Andrei: Lukas Olszewski | Leserin: Conny Krause | Erzähler: Mario Pitz | Ton und Technik: Melanie Mika | Bearbeitung und Regie: Kiron Patka | Produktion 2013

Angela und Andrei von Erwin Koch: Eine Liebes­geschichte, die erst nach dem ersten Kuss ein­setzt. Ein Text, der doku­men­tarisch fest­hält, statt in Ge­fühlen zu schwel­gen. Ein nüch­terner Be­richt, der weder an­klagt noch mit­fühlt. Ein Doku­ment, das eine in­time Liebes­geschichte durch das Fil­ter bri­santer po­li­tischer The­men ver­mittelt: Armut in Europa, inter­natio­naler Organ­handel. Ein Er­zähler, der di­stan­ziert von außen be­trach­tet, der Zahlen und Daten nennt: Wir er­fahren Uhr­zeiten und Ent­fernungen, Pass­nummer und Blut­gruppe. Doch ins Innere der Figuren blickt der Er­zähler nicht. Und gerade durch diese Distanz lässt die Geschichte niemanden un­berührt.

Angela und Andrei spielt im ärmsten Land Europas, Republik Moldau, an der „Ost­kante“ Europas. Die beiden Lieben­den ir­ren zwi­schen Istanbul, Ukraine und Sibirien hin und her, ge­langen ins ge­lobte Land Italien, nur um wieder in ihre be­scheidene Heimat zurück­zukehren. Ihr Lieben ist be­gleitet vom be­ständigen Kampf um die materielle Exi­stenz, die meiste Zeit ve­rbringen sie ge­trennt von­einander, ge­trennt von den Kin­dern, auf der Suche nach Arbeit. Und doch ver­zichten beide lieber auf eine Niere, als einander los­zulassen.

Der Schweizer Erwin Koch ist Jour­nalist und Re­porter, er schrieb und schreibt für die ZEIT, GEO, Süddeutsche, Spiegel und viele andere. Zweimal hat er bereits den Egon-Erwin-Kisch-Preis er­halten. Er ist auch Schrift­steller; für sein Roman­debüt Sara tanzt wurde er 2003 mit dem Mara-Cassens-Preis aus­ge­zeichnet; weitere Romane folgten. 2011 erschien der Reportagen­band Was das Leben mit der Liebe macht, in dem Koch „wahre Ge­schich­ten“, Liebes­geschichten er­zählt, wie die von Angela und Andrei.

Vorträge

„Publikationsstrategien: Weblogs, AV-Inhalte, Open Access, Urheberrecht“. Gemeinsam mit Jan Torge Claussen, Ania Mauruschat und Anna Schürmer. Workshop auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft: Medien-Materialitäten. Universität zu Köln, 27. September 2019.

Abstract

Getragen von der Überzeugung, dass eine starke Medienwissenschaft Neue Medien nicht nur reflektieren, sondern auch in ihre Arbeit und Kommunikation einbringen muss, widmet sich dieser Workshop Fragen wie: Welche Möglichkeiten bieten Weblogs für die Wissenschaftskommunikation, speziell in den Geistes-, Kunst- und Kulturwissenschaften? Welche AV-Inhalte wie Podcasts und Videos eignen sich dabei besonders gut und welche professionellen Standards sind zu beachten? Welche Urheber-, Leistungsschutz- und sonstige Rechte sind bei der Verwendung von z.B. Tonaufnahmen betroffen und was bedeuten sie für die Publikation von Audiobeispielen im Rahmen eines Beitrages? Welche Chancen bietet eine eigene App und wie entwickelt man sie? Welche Fragen und Herausforderungen gehen mit Open-Access-Veröffentlichungen einher?

Aufbauend auf dem von der AG Auditive Kultur und Sound Studies initiierten Workshop „Publikationsstrategien“, der auf der GfM-Jahrestagung in Siegen erstmals stattfand, wird dieser Workshop zentrale Fragen vertiefen und weiter nach Lösungen suchen. Der Workshop steht allen Interessierten offen. Einführende Wortbeiträge einzelner Teilnehmer*innen zu den unterschiedlichen Themen dienen lediglich dazu die allgemeine Diskussion vorzubereiten und anzuregen.

Panel-Organisation: „Dinge der Soundproduktion. Praktiken, Affordanzen, Diskurse.“ Panel auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft (GfM): Medien-Materialitäten. Universität zu Köln, 26. September 2019.

Abstract

Mikrofone, Plattenspieler, Tonbänder … Das Panel nimmt technologische Artefakte in den Blick, die in der professionellen Produktion von Sound (z.B. Musik oder Radio) zum Einsatz kommen. Konkret sollen diese Dinge im Mikro-Zusammenhang der Produktion betrachtet werden: als Elemente typischer Konfigurationen, in denen sie mit den Körpern der Agierenden wie auch mit dem klanglichen Material interagieren.

Die Unsichtbarkeit und das Ephemere von Sound machen die Artefakte zu Medien par excellence, lässt sich ihre Funktion doch aus einer praxeologischen Perspektive als transducer beschreiben: Sie übersetzen Körperbewegungen (wie z.B. das Positionieren eines Mikrofons) in klangliche Parameter und bieten andersherum die Antizipation von Klanglichem (eine erwünschte Klangqualität) als haptisch-visuelle Parameter an: Schalter, Bedienelemente, Bauformen usw.

Innerhalb der Produktionszusammenhänge lassen sich die Dinge unterschiedliche konzipieren. Als Objekte von Medienpraktiken gehen Produzent*innen mit ihnen um, setzen sie in ein Verhältnis zum eigenen Körper und benutzen sie. Als Träger von Affordanzen gestalten sie den Umgang mit ihnen maßgeblich mit und etablieren eine Interaktionsbeziehung zum Körper der Subjekte. Als »diskursive Knotenpunkte« schließlich strukturieren sie den gesamten Produktionsprozess mit und weisen weit über die oben beschriebene Konfiguration hinaus.

Im Panel sollen also Dinge des Soundproduktion auf ihren Zusammenhang zu Körpern, Händen, Ohren, aber auch in einem weiteren Sinne zu Machtverhältnissen, Kommunikationsstrukturen und Arbeitsprozessen der Produktion befragt werden. Welchen Einfluss haben die Ding-Körper-Konfigurationen auf Ästhetiken, auf Kommunikations-, Arbeits- und Machtstrukturen? Inwieweit verweisen sie auf überzeitliche Phänomene wie historische Entwicklungen? Dinge der Soundproduktion sollen damit als epistemische Dinge Auskunft über Verfahren, Prozesse und Entwicklungen der Musik- und Radioproduktion geben.

„Große und kleine Gesten. Der Verlust von Körperlichkeit in der Radioproduktion“. Vortrag auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft (GfM): Medien-Materialitäten. Universität zu Köln, 26. September 2019.

Abstract

Während sich die als „Digitalisierung des Hörfunks“ bezeichnete Entwicklung als ein zäher Prozess erweist, scheint dagegen die Digitalisierung der RadioPRODUKTION (also der Umstieg auf digitale Produktionssysteme im Tonstudio) schon seit den frühen 2000er Jahren weitgehend in trockenen Tüchern zu liegen. Was seitdem über UKW analog ausgestrahlt wird, entsteht in aller Regel in hochvernetzten Studioumgebungen computergestützter Aufnahme-, Bearbeitungs- und Broadcasting-Systeme.

Ein prägnantes Beispiel für die Digitalisierung der Produktionsmedien ist der Umstieg von Tonband auf digitale Schnittsysteme. Der dem Digitalen (oft fälschlicherweise) zugeschriebene Verlust der Materialität wurde mit Blick auf konkrete Produktionspraktiken flankiert von einem Verlust von Körperlichkeit: Teilweise großräumige Körperbewegungen bei der Arbeit mit Tonband und Bandmaschinen reduzierten sich auf miniaturisierte Gesten der Hände, allen voran auf den Mausklick mit dem Zeigefinger. Indem der aufgenommene Ton haptisch nicht mehr als Tonband greifbar war, verschwand auch das Greifen selbst.

Interviewte Zeitzeug*innen aus der Radioproduktion, die diese Digitalisierung selbst miterlebt (und teilweise miterlitten) haben, beschreiben sie zumeist als den entscheidenden Umbruch ihrer jeweiligen Berufsbiografie. Dieser forderte eine Übersetzungsleistung ein, die vormals habitualisiertes Körperwissen – Verschaltungen von Fingern, Händen und Armen mit dem Gehör – überführte in diskrete und klickbare Aktionen.

An dieser historischen Schnittstelle und in Zusammenhang zum Verlust des Körperlichen, so die These meines Beitrags, haben sich Produktionskulturen des Radios auf verschiedenen Ebenen verändert: auf der Ebene der räumlichen und sozialen Struktur im Tonstudio, auf der Ebene der Ästhetik der Produkte, und nicht zuletzt auf der diskursiven Ebene des internen Sprechens über Radio und seine Veränderungen.

„Zwischen Technik und Musik. Berufsselbstbilder von Tontechniker_innen“. Vortrag auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Musikforschung (GFM). Musikwissenschaftliches Seminar der Universität Paderborn und der Hochschule für Musik Detmold, 25. September 2019.

Abstract

Von Tontechnikern sagt man, sie seien verkappte (oder gescheiterte) Musiker. Das Bild gründet vielleicht auf mittelmäßigen Gitarristen in einer Band, die sich aber bei den ersten Homerecording-Sessions am Mischpult ganz geschickt anstellen und sich in der Folge auf eine Karriere als „Mischer“ verlegen.

Wendet man den Blick vom Bereich kommerzieller Musikproduktion und -szene hin zum Medium Radio, stellen sich die Verhältnisse oft anders dar. Nicht nur, dass hier erstaunlich viele TontechnikerINNEN zu finden sind. Auch im Hinblick auf Ausbildungswege und berufliches Selbstverständnis zeigt sich hier kein ganz so klares Bild.

Mein Beitrag geht daher der Frage nach, inwieweit Tontechniker_innen im Radio „musikalische“ Tätigkeiten ausüben. Schon der Blick auf die klassischen Ausbildungswege für Tontechniker_innen, die sich seit dem Neuanfang des Rundfunks nach dem Zweiten Weltkrieg mehrfach tiefgreifend strukturell gewandelt haben, weist auf die zwiespältige Berufsrolle zwischen Technischem und Künstlerischem hin. Im Radio arbeiten Tontechniker_innen miteinander, die teils aus elektro- oder nachrichtentechnischen, teils aus medientechnisch-gestalterischen, teils aber auch aus musikalisch-künstlerischen Ausbildungsgängen stammen und entsprechende Motivationen, Interessen und Fähigkeiten mitbringen.

Mit qualitativen Interviews und auf Grundlage meiner eigene Berufserfahrung als Tontechniker untersuche ich – unter anderem – die Tätigkeit von Tontechniker_innen im Radio und ihre Rolle fürs Radio. Dabei treten sehr unterschiedliche Berufsrollen von ‚Tonarbeitern‘ zutage: von der Cutterin mit detailliertem Fachwissen über musikalische Akustik bis zum Toningenieur mit künstlerisch-ästhetischer Verantwortung; vom Servicetechniker für Audio-Equipment bis zur Sounddesignerin, die am Klang des gesamten Radioprogramms arbeitet.

Einen besonderen Blick werfe ich dabei auf das letztgenannte Arbeitsfeld – Radio-Sounddesign –, das auch aus medienwissenschaftlicher Perspektive bislang kaum zur Kenntnis genommen wird (Patka 2017). An der Schnittstelle zwischen funktional-ästhetischen und künstlerisch-inhaltlichen Ansprüchen läuft das Tätigkeitsfeld einer im öffentlich-rechtlichen Rundfunk bis heute wirkmächtigen Differenzierung zuwider, die zwischen programmgestaltendem und eben nicht-programmgestaltendem Personal unterscheidet.

Radio-Sounddesigner_innen gestalten gängige Radioprogramme ganz wesentlich durch ihren spezifischen Umgang mit Musik. Es geht um die „Verpackung“ von Radioinhalten mit Musik durch Bereitstellung von dem, was oft kurz als „Jingle“ bezeichnet wird (Wagner 2013, Föllmer 2018); es geht um die Collagierung von Musiktiteln zu Veranstaltungshinweisen, Rätseln und radiophonen Elementen, für die bislang allgemeingebräuchliche Bezeichnungen fehlen (Schätzlein 2005); es geht schließlich auch um die klangliche Aufbereitung des Radioprogramms mit Filtern und Kompressoren, um den ästhetischen Vorstellungen von (in der Regel musikalisch bestimmten) Radiogenres und den Anforderungen des Marktes gerecht zu werden.

Ausgehend von einem Verständnis von Musik als Sound und „sound as musical material“ (Großmann und Hanáček 2016) von Radio, beschreibe ich die berufliche Rolle von Tontechniker_innen/Sounddesigner_innen im Spannungsfeld zwischen Technik und musikalisch informierter auditiver Ästhetik.

„Women as radio’s sound technicians: From national to transnational perspective.“ Vortrag auf der 6. ECREA Radio Research Conference: Radio as a Social media: community, participation, public values in the platform society. Università di Siena, 19.–21. September 2019.
(Eingeworbenes Reisestipendium des DAAD)

Abstract

For decades, German public broadcasting stations have employed remarkably many female sound technicians. That seems to be the case ever since the new start of German radio after WWII. This fact is quite astonishing as especially in the German post-war society it wasn’t common for women to do trained work at all, not to mention within the technical realm. Also, male and female technicians often were allocated different duties while sharing the same job title.

In my talk I will explore several factors that might have led to that situation. In particular, I will produce two arguments that position the situation as a specific German one: The first one draws on the historical background of WWII and the “women helper” that were trained in wireless technology. The second one examines the training of technical staff up to the mid 70s where men and women were separated into different courses.

Thus, radio stations appear as institutions of modernity, offering young women an uncommon career, while at the same time producing gendered differences through unequal opportunities and salaries.

My research project sets out to analyse radio’s production cultures on the basis of qualitative oral history interviews as well as unpublished archive material. The intention of my talk is not to give a full explanation, but to open my research to a transnational approach. My hope is to initiate a discussion that compares German radio production to that of other countries and cultures.

„Sound Work, Creativity, and Gender. Production Cultures in German Public Service Broadcasting“. Vortrag auf der Jahrestagung 2019 der International Association for Media and Communication Research (IAMCR): Communication, Technology and Human dignity. Desputed Rights, Contested Truths. Universidad Complutense de Madrid, 7.–11. Juli 2019.

Abstract

During its 100 years of existence, radio has developed a specific production culture. In German Public Service Radio, typical production setups in the studio involve contributors of different professions: DJs, journalists, actors, musicians, directors or ‘Tonmeister’ are surely considered the responsible staff who may claim authorship and creativity. On the other hand there are those I call ‘sound workers’ – sound engineers and sound technicians. Sound workers have been present in radio’s broadcasting and production studios for decades, and often still are now, but I argue that their role regarding content and aesthetics of music, radio drama, or radio programme has often been vague and even contested (cf. Martensen 2017).

Moreover, academic research on radio production has neglected these professions, probably assuming that they do not contribute to the medial outcome in a substantial way. Instead, agency, creativity and authorship has been ascribed to journalists, directors, or presenters of radio shows in particular. Most of the work on radio production takes into view a managerial or even organisation/industry level without considering the micro-level of actual production work within the studio (e.g. Kleinsteuber 2012).

In my talk, I will shed some light on these sound workers below the line, focussing on the age of tape machines (~1945 to ~1995) in Germany and drawing mainly on oral history interviews. While often regarded as technical staff and thus only in charge of operating machines, sound workers often see themselves as ‘auditory designers.’ With respect to music recording, Horning (2004) describes sound workers as musical architects, thus underlining their role in fabricating the aesthetics of the produced piece. In a similar way, sound workers can be seen as architects of the auditory flow/stream (cf. Stadel 2016) of radio programmes.

I will show that especially in German post-war radio stations, sound work was a highly gendered profession (Patka 2018). Since the allies have re-started broadcasting in Germany after WWII, there were remarkably many trained women in technical radio jobs. Up until the mid 70s, the central staff training system has offered two training courses for sound technicians that were officially dedicated to men, and women respectively. Accordingly, male and female sound workers within radio stations were allocated different tasks. Unsurprisingly, this produced a divide not only with respect to financial income and job opportunities, but also with respect to accountability and creativity. While women, operating tape machines, developed specific skills and their own body of knowledge, they still were regarded as ‘helpers’, doing ‘service’ and manual work in order to support the creative crew (cf. Birdsall 2017).

My research is based on oral history interviews, in parts being conducted by students in my seminar on radio production studies; a second resource is archival material. I will provide information from an ongoing research project, so the talk will be open to discussion and does not aim at presenting final results.

„Sound/Design/Transmission. Ansätze zu einer Ästhetiktheorie des Radios“. Vortrag im Rahmen des Seminars „Medientheorie“ an der Hochschule Furtwangen, 28. Mai 2019.

„Archäologie des Hörfunkstudios. Re-enactment in der historischen Produktionsforschung“. Vortrag auf dem 3. Workshop der GfM-AG Medienindustrien: Methoden und Zugänge für die Forschung zu und in Medienindustrien. Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF, Potsdam, 1. Februar 2019.

Abstract

Am Beispiel der Radioproduktion möchte ich zur Diskussion stellen, inwieweit medienarchäologische Experimente eine sinnvolle Methode sein können, um insbesondere in historisch ausgerichteten Produktionsforschungen Wissen zu ermitteln.

Mit »medienarchäologischen Experimenten« beziehe ich mich im Anschluss an Fickers (2015) auf unterschiedliche denkbare Formen des re-enactment, wobei eine historische Authentizität – so ein erster Entwurf – vor allem im Hinblick auf

  • die verwendete Medientechnologie (z.B. Bandmaschinen und Mischpulte),
  • die personelle Konstellation (z.B. der sogenannte »Dreimannbetrieb«) sowie
  • die Räume des Agierens (das Tonstudio)

angestrebt wird. Ziel des re-enactment wäre der Zugang zu Wissen, das über klassische Zeitzeugeninterviews nicht zu bekommen ist. Im Zuge des re-enactments von typischen oder spezifischen Produktionssituationen sind verschiedene qualitative Erhebungsmethoden denkbar – von der teilnehmenden Beobachtung bis zum Interview im Feld (Przyborski & Wohlrab-Sahr 2014).

Geht es bei Fickers um historische Medienaneignungsprozesse in der Rezeptionsforschung, treten beim re-enactment von professionellen Produktionssituationen spezifische Besonderheiten und Fragen auf, z.B.:

  • Lassen sich Produzent_innen umstandslos als professionelle »User« von Medientechnologie konzipieren?
  • Können Forschende überhaupt aktiv am re-enactment teilnehmen, oder werden sie auf die Beobachtungsrolle zurückgeworfen? Kommen in der Folge als Akteure nur Zeitzeugen / Profis der älteren Generation in Frage?
  • Inwieweit sind historische Räume und Technologien verfügbar oder lassen sich rekonstruieren?

Ausgehend von diesen Überlegungen und anhand eines ersten kleinen Beispiels möchte ich die Leistungsfähigkeit von re-enactment sowie methodologische Hürden (z.B. verzerrende Effekte) diskutieren.

„Publikationsstrategien“. Gemeinsam mit Ania Mauruschat, Anna Schürmer und Felix Gerloff. Workshop auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft: Industrie. Universität Siegen, 28. September 2018.

Abstract

Im Zuge der Etablierung und Ausdifferenzierung des Feldes der Sound Studies auch im deutschsprachigen Raum wird innerhalb der GfM-AG Auditive Kultur und Sound Studies schon seit längerem über eine Förderung von wissenschaftlichen Publikationsmöglichkeiten zu Sound diskutiert und daran gearbeitet. Eine inhaltlich und strategisch konturierte AG-Website kann dabei nur ein erster Schritt sein. Darüber hinaus stellt die Gründung eines eigenen Open-Access-Online-Journals und als Vorstufe dazu die mögliche Gestaltung einer ganzen oder halben Ausgabe der ZfM weitere Überlegungen dar.

Gerade für die Arbeit im Forschungsfeld auditiver Kultur und Sound Studies stellen sich zudem Fragen nach einer medienadäquaten Darstellung: Wie lassen sich hörbare Klänge als argumentative Bestandteile von Publikationen einbinden? Welche alternativen A- und AV-Dokumentationsformen sowie -Publikationsformate bieten sich an – wie zum Beispiel Podcast und Video? Ziel des Workshops ist es, in einem AG-übergreifenden Erfahrungsaustausch die unterschiedlichen Interessen, Erfahrungen und Aktivitäten zu sammeln und Optionen für mittel- sowie langfristige Publikationsstrategien zu entwickeln.

Der Workshop steht allen interessierten GfM-Mitgliedern aus allen AGs und Fachbereichen offen. Einführende Wortbeiträge einzelner Teilnehmer_innen zu den unterschiedlichen Aktivitäten und Bestrebungen dienen dazu, die allgemeine Diskussion vorzubereiten und anzuregen.

„Radioproduktionskultur. Zur Ausbildung von Tontechnikerinnen und Tontechnikern an der Schule für Rundfunktechnik 1964–1975.“ Vortrag auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft: Industrie. Universität Siegen, 27. September 2018.

Abstract

Von 1964 bis 2006 stellte die Nürnberger Schule für Rundfunk­technik (SRT) die maß­gebliche Institu­tion für die Aus­bildung von Ton­techniker_­innen in der deutschen Rundfunk­industrie dar. Im Laufe der Jahr­zehnte ent­wickel­te sie dabei unter­schied­liche Formate, von grund­ständigen staat­lich anerkann­ten Aus­bildungs­gängen bis hin zu einzel­nen spezi­fischen Work­shops.

Mein Beitrag blickt auf die ersten 10 Jahre der Schule. Von Inter­esse ist in erster Linie die Tat­sache, dass bis Mitte der 1970er Jahre zwei unter­schied­liche Lehr­gänge nach Geschlech­tern ge­trennt ange­boten wurden: ein zwei­semestriger Lehr­gang für Frauen, ein drei­semestriger für Männer. Diese Praxis über­nahm die SRT bereits von den voran­gehenden tech­nischen Aus­bildungs­struktu­ren der deutschen Sender in den 1950er Jahren.

Aus Perspektive der Gender­forschung ist bemerkens­wert, dass es über­haupt eine speziell an Frauen gerich­teten Aus­bildung zur Techni­kerin gab. Dem schein­bar modernen Ansatz ist ent­gegen­zuhalten, dass Frauen gleich­zeitig der höher bewer­tete Lehr­gang ver­wehrt wurde – mitsamt zuge­hörigen Berufs­optionen und Karriere­chancen.

Zugleich bietet es sich an, technik­historische Entwick­lungen im Rund­funk und sich stetig verän­dernde Tätigkeits­profile (weib­licher) Ton­techni­kerin­nen und (männ­licher) Ton­techni­ker ein­ander gegen­über­zustellen. Für den unter­suchten Zeit­raum wird deut­lich, dass Ton­techni­kerin­nen vor allem mit Ton­band und Band­maschine arbei­teten, während Ton­techniker an Kontroll­pulten saßen und in der Außen­übertra­gung einge­setzt wurden.

Archivmaterial und Zeitzeugeninterviews bringen Licht in diese bis­lang unbeach­teten Aspek­te von Radio­produk­tion und ihren Kul­turen. Mein An­satz der Produktions­forschung, der (technik-)­historische, (arbeits-)­soziologische und medien­wissen­schaft­liche Frage­stellungen mit­einander verbindet, soll schließ­lich auch den Boden bereiten für die Analyse aktueller multi­medialer Radio­produktions­kulturen.

„Sehnsuchtsort Pult. Gegenderte Berufs(selbst)bilder in der Radioproduktion nach 1945.“ Vortrag auf der Jahrestagung des Studienkreises Rundfunk und Geschichte: Materialitäten. TECHNOSEUM Mannheim, 28./29. Juni 2018.

Abstract

Mit meinem Beitrag – ein Aus­schnitt aus meinem größeren Forschungs­vorhaben zur »Radio­produktions­kultur« – möchte ich Berufs­rolle und beruf­liche Selbst­bilder von Ton­technikerinnen in der analogen Radio­produktion dar­stellen. Dabei verwende ich einen engen Produktions­begriff, der sich weniger an dem der film­wissenschaftlich geprägten Produktions­forschung orien­tiert (z.B. Vonderau 2013) als vielmehr am Fach­jargon von Rundfunk und Musik­produktion (La Roche/Buchholz 2013): Radio­produktion als der Arbeits­zusammenhang im architektonisch-technischen Raum Ton­studio, bei dem redak­tionelle, künst­lerische und tech­nische Mit­arbeiter_innen gemeinsam im Modus koopera­tiver Inter­aktion (Dunkel/Weihrich 2010) auditive Produkte herstellen.

Tontechnikerin: Die weibliche Form ist bewusst gewählt, denn technische Berufs­rollen im deutschen Radio der Nach­kriegs­zeit waren explizit geschlechter­differen­zierend ausgelegt. Frauen wurde dabei das Tätigkeits­feld Band­schneiden zuge­wiesen – ans Misch­pult durften sie nicht –, und diese Zu­weisung reichte bis in die Ton­techniker-Ausbildung hinein, die für die ARD-Anstalten an der Schule für Rundfunk­technik (SRT) Nürnberg zentral organi­siert war – bis 1975 mit nach Geschlechtern ge­trennten Lehrgängen.

Die Berufsrolle der Tontechnikerin lässt sich dement­sprechend durch Abgrenzung von der­jenigen männlicher Ton­techniker oder Ton­ingenieure bestimmen. Augen­scheinlich wird der Unter­schied anhand der Materia­lität der Objekte, mit denen Techni­kerinnen bzw. Techniker arbeiteten: Ton­band (als ›technische Wolle‹) steht dem Misch­pult (als ›Kontroll­instrument‹) gegenüber.

Ich analysiere die Situation anhand größten­teils noch unveröf­fent­lichten Archiv­materials der SRT. Dazu treten Zeitzeugen­interviews mit ehemaligen technischen Mit­arbeiter_innen öffentlich-rechtlicher Radio­sender. Diese bringen eine Spannung zum Vorschein: Einer­seits ent­hüllen sie den ›Produzenten­stolz‹ der Tontechni­kerinnen – besaßen sie doch immenses Praxis­wissen beispiel­sweise in Bereichen musi­kalischer Akustik und Phonetik. Anderer­seits scheint das Misch­pult in den Berichten wieder­holt als Sehnsuchts­ort auf, als der Ort, der für eine ganze Genera­tion von Tontechni­kerinnen unerreich­bar blieb. Darin kommt das hierar­chische Moment im Ver­hältnis zwischen Tontechni­kern und Tontechni­kerinnen zum Ausdruck.

Mit der historischen Analyse der Berufs­rolle der Tontechni­kerin im Radio beschreibe ich ein Tätigkeits­feld, das sich in Aus­einander­setzung mit anderen Berufs­rollen ver­ändert hat. Es steht exem­plarisch für weitere Aushandlungs­prozesse im Hin­blick auf Auf­gaben, Zuständig­keiten und Zugängen zu ›Herrschafts­wissen‹ – allen voran zwischen sogenannten »technischen« und »redaktionellen« Mit­arbeiter_innen und ent­sprechend gelabelten Tätig­keiten. Diese Grenze wird an­gesichts techno­logischer, gesellschaft­licher, sozio­kultureller sowie ökonomischer Entwick­lungen heute mehr denn je hinter­fragt, und mit ihr die beruf­lichen Selbst­bilder der an Radio­produktion beteiligten Personen.

“Aesthetics of Participation. Reflections on the Role of Sound in Media Education and Production”. Vortrag auf der INSPIRE International Conference Media Education and Citizenship. IHECS, Brüssel, 22. Juni 2018.

Abstract

Radio is said to be a very accessible medium for listeners as well as for producers (Häusermann 1998) – due to the use of the voice as “primary code of radio” (Crisell 1985) instead of written language. Neither speaker nor listener need to have formal education; radio can be used by people who are not very experienced in reading and writing, even by people who cannot read or write at all. Therefore for a long time radio has proven the ideal medium for grassroots democracy, not only in societies with poor literacy rate, but also in community (or pirate) radios all over Europe.

In our talk we will draw on this idea, but we will also take one step further by focussing on sound instead of voice. Sound is one element within the phenomenon voice (Dolar 2007), and radio presenters put much effort on shaping the sound of their voices to achieve a special atmosphere or a ›stationality‹ (Bose/Föllmer 2015); it’s safe to say that with their voices, presenters even shape the sound of the whole station. And the sound of the voice also contributes to the particular journalistic message.

Radio practitioners and trainers often emphasise on the use of sounds like ambient sounds or original sound effects (Patka 2018). While the role of original sounds in radio journalism has been recognised from its very beginning, sounds have always been only the second- or even third-rate code of radio. The few experiments on “sonic journalism” (Cusack 2014) that almost only rely on field recordings have met with quite little response. Not so long ago, audio was also named the “black sheep of online journalism” (Hoffmann 2012).

Against this background we will explore the idea that a sonic kind of journalism is a great opportunity to empower marginalised people to participate in media production. We will compare our reflections on sonic journalism as a means of democratisation to our experiences in several local project, where we have worked with children and teenagers in multinational and multilingual groups. On one hand the very prevailing concept of listening – listening to each other as well as listening to the sounds of our acoustic environment – has proven highly fruitful for subsequent radio production practice. On the other hand however, we have also experienced problems and challenges that have lead to important findings for future projects.

„Mädels vom Band. Multidisziplinäre Perspektiven auf einen technischen Beruf in der analogen Musikproduktion.“ Vortrag auf der 5. Jahrestagung der GfM-AG Auditive Kultur und Sound Studies: Medienmusik: (Re)Produzieren, Gestalten, Spielen, Interagieren … mit Musikmedien. Stiftung Universität Hildesheim, 9./10. Februar 2018.

Abstract

Mein Beitrag möchte auf die bislang uner­forschte Arbeit von Ton­techni­kerinnen im deutschen Rund­funk auf­merksam machen. Die feminine Form ist bewusst gewählt: Seit dem Neu­anfang des Rund­funks nach dem Zweiten Welt­krieg bis zum Ende der ana­logen Zeit in den 1990er Jahren ist diese Tätig­keit ein ausge­wiesener Frauen­beruf – trotz des Begriffs „Technik“ in der Berufs­bezeichnung.

Ich präsentiere dazu bislang un­veröf­fent­lichte Materia­lien, allen voran Zeitzeugen-Interviews mit Akteuren, haupt­sächlich Ton­techni­kerinnen, aus der analogen Tonband-Zeit. Die Inter­views machen deutlich, dass sich die Tätig­keit kaum mit den Berufs­rollen der „Kreativen“ ver­gleichen lässt, die in aktu­ellen Forschun­gen zu Medien­industrien oft im Vorder­grund stehen.

Tontechnikerinnen arbeiteten in festen Arbeits­verhält­nissen – zumin­dest bis sie heira­teten. Sie waren Grenz­gängerinnen zwischen Musik- und Wort­produktion und er­arbei­teten sich in diesen Be­reichen ausge­wiesene Exper­tise und Praxis­wissen um musi­kalische Akustik und Phonetik.

Auf Grundlage einer Situations­bestimmung der Ton­techni­kerin an der Band­maschine eröff­net mein Material ver­schie­dene weitere Forschungs­ansätze beispiels­weise im Bereich der Gender­theorie, der Sozial-, der Technik­geschichte oder Production Studies.

„Männer, Mädchen, Mädels. Geschlechterkonstruktionen in der analogen Radioproduktion.“ Vortrag auf dem 2. Workshop der GfM-AG Medienindustrien: Media Industry Studies im deutschsprachigen Raum. Medienwissenschaftlichen Seminar der Universität Siegen, 26. Januar 2018.

Abstract

Im Rundfunk der Nachkriegs­zeit gab es mit der Ton­techni­kerin eine Berufs­rolle, die offen­bar aus­schließ­lich Frauen vor­be­halten war. Das be­legen u.a. Zeit­zeugen­berichte. Damit wurden Frauen gleich­zeitig aus anderen Berufs­rollen aus­ge­schlos­sen, allen voran aus der des Ton­ingenieurs (noch bevor der Begriff „Ingenieur“ geschützt wurde). Die Auf­gabe von Ton­technikerin­nen bestand darin, Band­maschinen zu be­dienen und Ton­band zu schneiden. Dazu gehörte eine eigene Exper­tise, u. a. Praxis­wissen zu musi­ka­lischer Akustik und Phonetik, sowie ein Mindest­maß an ‚Geschick­lichkeit‘, an Koordi­nation von Gehör und Mo­torik. Gleich­wohl exis­tierte ein deut­liches Gefälle von An­sehen, Status und Ein­kommen zwi­schen den stets männ­lichen Ton­ingenieuren und den Ton­techni­kerinnen.

Diese struktu­relle Ge­schlechter­differen­zierung wirft eine Reihe von Fragen auf, zum Bei­spiel: Welche Rolle spielte die körper­liche Attribu­ierung von ‚Finger­fertig­keit‘ für diese Rollen­verteilung? Lässt sich die Berufs­rolle der Ton­techni­kerin in einen histo­rischen Zusammen­hang mit den ‚Blitz­mädels‘, den Wehrmachts­helferin­nen im Nach­richten­dienst während des Zweiten Welt­kriegs bringen? Welcher Dis­kurs steuerte die bis Mitte der 1970er Jahre nach Ge­schlech­tern getrennte tech­nische Aus­bildung der ARD? Welchen Ein­fluss hat der gegen­seitige Aus­schluss aus Berufs­rollen auf die jewei­ligen Berufs­biogra­fien genommen? Lässt sich der Ein­fluss ge­schlechter­differen­zierender Berufs­rollen bis heute nachweisen?

Mehrere Leitfaden­interviews mit tech­nischen Mit­arbeiter_innen, die die 1960er und 1970er Jahre im Beruf mit­erlebt haben, schil­dern die damalige Produktions­kultur, zeugen von Nostal­gie der analogen Zeit gegen­über, dokumen­tieren aber auch miss­glückte Ver­suche, die ‚Master­kategorie‘ Geschlecht zu überwinden.

„‚Addressing a friend in his own sitting room‘ – Das Raumdispositiv des Radios zwischen Ästhetik und innerer Soziologie“. Vortrag auf der Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaft: Zugänge. FAU Erlangen, 5. Oktober 2017.

Abstract

Radio lässt sich als ein subversives Raum­phänomen betrachten, als ein Riss in der herkömmlichen physi­kalisch bestimmten Beziehung zwischen Schall und Raum. Als Raum­phänomen stellt das Radio eine Schwelle dar zwischen zwei Welten: der Welt der Rezipienten und der Welt der Produzenten. Das beinhaltet nicht nur kommunikative und soziale Aspekte, sondern besitzt vor allem auch eine raum­akustische Kom­ponente: Im Radio über­lagern sich der Raum der Rezeption – Wohn­zimmer, Küche, Auto – und der der Produktion – Aufnahme­räume, Studios, aber auch der öffent­liche Raum, aus dem heraus Reporter mit ihren Mikro­fonen berichten. Radio stellt als Medium par excellence Zugänge her zwischen diesen beiden Welten. Hörer erhalten Zugang zu fernen und fremden Orten, und Radio­stimmen dringen in die private Sphäre ihres Publikums ein.

Zwei Metaphern aus der Frühzeit des Radios machen die topologische Schwellen­funktion des Radios deutlich: Radio sei ein „Ohr zur Welt“, und Radio lasse „die Welt daheim“ verklingen (Fickers 2006). Diese sehr ähnlichen Metaphern verweisen jedoch auf sehr unter­schied­liche Gesten, fragt man danach, wer denn nun Zugang wozu erhält.

Meine Analyse des Radio­dispositivs mit seiner Schwellen­funktion deckt auf, dass diese beiden Richtungen des Zugangs mit unter­schied­lichen produktions­ästhetischen Verfahrens­weisen verbunden sind. In die Produktions­verfahren sind Produzenten, Reporter und Moderatoren involviert, aber auch Ingenieure und Architekten, die für die Studio- und Funkhaus­bauten verant­wortlich zeichnen.

In meinem Beitrag möchte ich zeigen, wie eine solch differen­zierte Betrach­tung des Radios als topologisches Schwellen­phänomen zwischen Rezipienten und Produzenten, zwischen privatem Raum und der Welt, bereits seit Mitte der 1920er Jahre diskursiv verhandelt wird, sich in konkreten Akustiken manifestiert und heute als implizites Praxis­wissen fester Bestand­teil der Formens­prache des Radios ist.

„‚Wir sind die Mädels vom Band‘: Vom Tonband und vom Stricken“. Vortrag auf der Arbeitstagung Geschlecht musikalischer Dinge. Musikwissenschaftlichen Seminar Detmold, 24. Juni 2017.

Abstract

Mehrere Jahrzehnte lang besaß Musik im Kontext der Musik­produktion eine ganz spezielle Materiali­tät: als Tonband. Ab der Zeit des 2. Welt­krieges bis in die 1990er Jahre wurde Tonband zur Zwischen­speicherung im Produktions­prozess sowie zur Archi­vierung eingesetzt.

Insbesondere in den Rundfunk­anstalten, die mit ihren Orchestern und Chören eine wichtige Größe der Musik­branche dar­stellten und ihre Radio­programme zum großen Teil aus eigenen Produk­tionen bestritten, bestimmte Tonband maßgeblich den beruf­lichen Alltag aller Beteiligten. Vor allem eine Berufs­gruppe war es, die direkt mit dem Band arbeitete, die es auf die Band­maschinen legte, ein­fädelte, die die Auf­nahmen startete, stoppte, die schließ­lich auch das „Schneiden“ besorgte, das Band also mit speziellen ent­magneti­sierten Scheren teilte und mit Klebe­streifen in der gewünschten Reihen­folge wieder zusammen­montierte: die Berufs­gruppe der Tontechni­kerinnen. Dieser Beruf, der den Begriff Technik in seiner Bezeich­nung trägt, war ein typischer Frauen­beruf – das war in den funk­internen Ausbildungs­gängen offen und ausdrücklich festgeschrieben.

Warum war die Tontechnik hier ausge­rechnet eine Domäne von Frauen? Diesem ungewöhn­lichen Befund möchte ich mit Hilfe eines weiteren musi­kalischen Objekts nachspüren: In einem Flur des Stuttgarter SWR-Funkhauses hängt hinter Glas die Partitur eines Marschfoxes. Der Ton­meister Helmut Enz hat das Stück mit dem Titel Wir sind die Mädels vom Band 1950 kompo­niert und ge­textet und eben jener Berufs­gruppe, den „Damen der Schall­aufnahmen“ gewidmet, „als kleiner Dank für ihre unermüd­liche Geduld und Mühen (besonders mit den Spiel­leitern u. Tonmeistern)“.

Der Text des Marschfoxes liefert eine erste Er­klärung. Das Arbeiten mit Tonband wird hier mit Stricken verglichen: „Ob wir Knöpfe drücken, zwischen­drin mal stricken, alles liegt in dieser kleinen Hand“. Erste Gespräche mit Zeit­zeugen haben bereits gezeigt, dass diese Analogie nicht von ungefähr kommt und die Ver­bindung Wolle/Tonband als Topos durchaus präsent war. Demnach verlangte der Beruf eine Finger­fertigkeit, die junge Frauen durch die ihnen zugeschriebene Körper­lichkeit („kleine Hand“) und familialen Auf­gaben (Hand- und Bastel­arbeit) mitbrächten. Zudem war der Band­schnitt eine rein ausführende Tätigkeit, so dass junge Frauen problem­los ersetzt werden konnten, sobald sie sich verheirateten.

Mit einem Ding-Porträt des Tonbands, erzählt mit­hilfe von Enz’ Partitur und einer Rekon­struk­tion ihrer Geschichte, decke ich in einer Verknüpfung medien­wissenschaft­licher und arbeits­sozio­logischer Perspek­tiven den Zusammen­hang zwischen der Materiali­tät von Tonband und einer Geschlechter­verteilung von Berufs­rollen in der öffentlich-rechtlichen Musik­produktion auf.

„Der eigene und der fremde Raum. Ästhetiktheoretische Vorüberlegungen zur Raumdarstellung in den akustischen (und in anderen) Medien.“ Vortrag auf der Jahrestagung des Studienkreises Rundfunk und Geschichte: Mediale Flieh- und Bindungskräfte. Migration, Identität und Medien. Deutsche Welle, Bonn, 9. Juni 2017.

Abstract

Bei der Konstruktion von Heimat und von Authen­ti­zität in den Medien – ich gehe zunächst vom Radio aus – kommt dem Raum eine besondere Rolle zu: Erst der hörbare architek­tonische oder topo­grafische Kontext versieht die sonst oft raumlosen Radio­stimmen mit der dokumen­tarischen Qualität des Faktischen, mit einem ‚Wirklichkeits­effekt‘. Daher möchte ich die Funktions­weise des Raums im Radio, das in seiner Vor- und Frühzeit als das Medium der Raum­überwindung gefeiert wurde, genauer untersuchen und modell­haft beschreiben. Im Anschluss möchte ich die Frage auf­werfen, inwieweit ein ästhetisches Raum­modell von Medien dazu beitragen kann, mediale Konstruk­tionen von Heimat zu analysieren.

Ich konzipiere das Dispositiv Radio als ein räumlich-ästhetisches, als die Über­tragung der Stimme (und anderer akus­tischer Ereig­nisse) aus einem Raum in einen anderen. Aus Sicht von Radio­hörern bedeutet dies: Nicht nur die über­tragene Stimme, sondern auch der fremde Raum wird im eigenen hörbar; der Produktions­raum reproduziert sich im Rezeptions­raum.

Wie stark der fremde Raum hörbar wird, ist aus Sicht von Radio­produzenten eine Variable. Die typische Radio­stimme vermeidet durch ihre Produktion­sweise oft jede eigene Räumlich­keit und inte­griert sich dadurch ganz in den privaten Raum des Hörens. So kann sie Radio zu dem intimen Tages­begleiter machen, als der es heute oft be­schrieben wird. Eine völlig andere ‚Geste des Hörens‘ entsteht bei vielen Repor­tagen, Features und Hör­spielen. Wenn bereits bei der Produk­tion immersive virtuelle Klang­welten entstehen, werden Hörer geradezu ins Radio hinein­gezogen und akus­tisch an andere Orte hin versetzt. Diese Raum­wirkungen kommt im Schlag­wort vom ‚Radio als Kino im Kopf‘ zum Ausdruck. Dabei zeigt es sich, dass die Wirklichkeits­effekte und damit die Authen­tizität von Produ­zenten oft künst­lich erzeugt werden und dass dazu unter­schied­liche Konstruktions­verfahren zur An­wendung kommen.

Dieses ästhetische Raum­modell des Radios möchte ich mit meinem Beitrag zur Dis­kus­sion stellen: Inwie­weit kann das Modell dazu bei­tragen, die mediale Konstruk­tion von Heimat und Fremde zu analy­sieren? Inwie­weit lässt sich das Konzept des ästhe­tischen Raums vom Radio auch auf Medien mit audio­visuellen und tex­tu­ellen Inhalten, beispiels­weise in den sozialen Kommunikations­räumen des Internets übertragen?

Tagungsorganisation: Jahrestagung der GfM-AG Auditive Kulturen und Sound Studies an der Universität Tübingen, 20.–21. Januar 2017.

Programm

„Probing Theoretical Frameworks. ‚Auditory Grammar‘ & ‚Auditory Rhetoric‘“. Zusammen mit Jacob Kreutzfeldt und Golo Föllmer. Vortrag auf dem 2. Workshop des Forschungsprojekts Transnational Radio Encounters: Aesthetics & Territoriality. Finnland-Institut Berlin, 24. Oktober 2014.

Zusammenfassung

„Die enträumlichte Stimme. Zu den Ursprüngen des Radio-Sounddesign.“ Vortrag auf der 1. Jahrestagung der GfM-AG Auditive Kulturen und Sound Studies: Von akustischen Medien zur Auditiven Kultur. Universität Bonn, 1. Februar 2014.

Abstract

Das Radio konfron­tiert uns mit seiner ganz eigenen Ästhetik. Im Zentrum dieser Ästhetik steht eine Stimme, und zwar die Stimme eines Mode­rators, die Musik und andere Stimmen mit­einander ver­bindet und zu­einander in Be­ziehung setzt. Da sind Reporter, Interview­gäste, O-Töne von Passan­ten oder Hörern via Tele­fon, aber auch oft eine namen­lose Station Voice. All diese Stimmen üben ganz unter­schied­liche Funk­tionen aus und grenzen sich durch ihre Sprech­haltung von­einander ab – aber auch durch ihren Raum­klang. Die Station Voice erscheint uns ganz nah, Interview­gäste ver­tei­len sich auf unter­schied­liche Rich­tungen des Stereo­bildes, und Reporter und O-Töne sprechen aus einem ganz anderen Raum zu uns, der durch Hinter­grund­geräusche und Raum­klang markiert ist.

Die Funktionen der Stimmen sind durch Raum­beziehungen zu­einander und vor allem zum Hörer akus­tisch kennt­lich gemacht. Eine Leit­funktion nimmt die Modera­toren­stimme wahr, die aus einem schall­gedämmten Rundfunk­studio ohne Raum­geräusche zu uns spricht. Sie ist die „ent­räumlichte Stimme“ (oder: „raumlose Stimme“) und unter­scheidet sich gerade dadurch eklatant von vielen anderen Radio­stimmen und den natür­lichen Stimmen unserer Alltagswelt.

Wie hat sich diese Ästhetik entwickelt? Woher stammt sie? Eine Spuren­suche nach den Ur­sprüngen führt uns zu den Anfangstagen des neuen Mediums Rundfunk in den 1920er Jahren. Bereits hier – Foto­gra­fien und zeit­genös­sische Berichte belegen das – stand das Mikro­fon in einem mit Decken und Teppichen gedämmten Raum. Das Phänomen der ent­räum­lichten Stimme entwickelt sich dort aber auch in einem größeren tech­nischen und kultu­rellen Kontext, den Emily Thompson als soundscape of modernity bezeichnet.

Die enträumlichte Stimme ist ein ent­schei­dender Faktor in der Ent­wicklung der Radio­ästhetik: Sie bereitet den Boden für ein Radio-Sounddesign, wie wir es heute kennen. Und sie steht für eine Inszenie­rung von Privat­heit im Radio, die sich vor allem in einer Sprech­haltung zeigt, die sich schon in den 1920er Jahren von der Bühnen­sprache des Theaters abzu­setzen beginnt.

Aktivitäten

seit 6/2019: Chefredaktion der Fachzeitschrift Rundfunk und Geschichte (beginnend mit Ausgabe 1-2/2020)

seit 6/2019: Stellv. Vorsitzender im Studienkreis Rundfunk und Geschichte e.V.

seit 11/2018: Mitglied des Beirats am Tübinger Institut für Medienwissenschaft

seit 6/2018: Erasmus-Fachkoordinator am Tübinger Institut für Medienwissenschaft

seit 2018: Leitender Redakteur des Wissenschaftsblogs Auditive Medienkulturen , herausgegeben von der GfM-AG Auditive Kultur und Sound Studies.

seit 8/2017: Layout, Gestaltung und Buchsatz der Buchreihe Medien- und Gestaltungsästhetik (transcript, hg. v. Oliver Ruf) und der Buchreihe Mikrographien/Mikrokosmen (Königshausen & Neumann, hg. v. Oliver Ruf und Uta Schaffers)

Mitgliedschaften

seit 2019: International Association for Media and Communication Research (IAMCR)

seit 2015: European Association for Media and Communication Research (ECREA)

seit 2015: Studienkreis Rundfunk und Geschichte (RuG)

seit 2014: Gesellschaft für Medienwissenschaft (GfM)

Lehre (Uni Tübingen)

Geschichtsvermittlung seriell: 50 Stuttgarter Geschichten als Podcast (AT). (BA | WS 2019/20)

Medienforschung und Designtheorie. (MA | WS2019/20, Hochschule Furtwangen)

Funkhauskulturen. Produktionsforschung zum Radio. (BA | WS 2018/19)

Aural Thinking. Sounddesign für Radiojournalisten. (BA | SS 2018)

Sounddesign im Hörspiel. (BA | WS 2017/18)

Radio-Sounddesign im Hörfunk. Theorien und Praktiken. (BA | SS 2017)

Multimediale Formate. Grundkurs Online-Journalismus. (MA | SS 2017)

Audiojournalismus. Die Stadt im 21. Jahrhundert. (BA | WS 2016/17)

Streaming Neckar. Crossmedialer Journalismus und Webreportage. (BA | SS 2016)

Projektseite

Grundkurs Hörfunk. Neue Wege fürs Radio: Audio-Journalismus. Gemeinsam mit Pia Fruth. (MA | WS 2015/16)

Webreportage

Ausgezeichnet mit dem Digital Journalismuspreis der LfK 2016

Grundkurs Hörfunk. Einführung in den Radio-Journalismus. (BA | SS 2015)

Die ??? – neu verschlüsselt! Analyse, Konzeption und Produktion eines Hörspiels. Gemeinsam mit Pia Fruth. (BA | WS 2014/15)

Themen

Audiojournalismus | Crossmedia/Multimedia/Transmedia | Medienästhetik | Production Studies | Radio Studies | Rundfunkästhetik | Rundfunkgeschichte | Science and Technology Studies | Sounddesign | Sound Studies